Del 24 al 29 de noviembre, Concept’Art propuso “Contrast”, una exposición compuesta por obras de Micheline Souprayen y Jérôme Sainte-Luce, en la galería L’Art s’en Mêle en Le Gosier. Aunque se trata de una exposición conjunta, decidimos dar la palabra por separado a estos dos artistas para que pudieran explicar plenamente su enfoque.
Originaria de Capesterre Belle-Eau, Micheline Souprayen pinta desde su infancia y amplió sus conocimientos artísticos siendo oyente en las Beaux Arts de París y estudiando en los talleres de París. Con motivo de esta exposición, ella ofreció a los visitantes un viaje a través de la vida de una abuela, con obras de colores sobrios dibujadas sobre papel y sobre lienzo.
Kariculture.net : ¿Cómo preparaste esta exposición titulada “Contrast”?
Micheline Souprayen : Todo comenzó con estos 5 dibujos que saqué de los cajones, como papeles viejos ; son dibujos que nunca yo había mostrado antes. Realmente quería ir a un mundo de la infancia y tal vez incluso quedarme allí. Tal vez un regreso dentro de mí mismo. Son obras hechas hacia 2015, son dibujos acrílicos sobre papel. La mayoría son rostros de niños, de dulzura, ternura.
Kariculture.net : ¿Sacaste tu inspiración de toda esta gente?
M. S. : No, en absoluto. Es una mezcla de imágenes que voy a ver, que tengo dentro de mí. A veces son imágenes distorsionadas, reinterpretadas. Y luego es el placer de trabajar con muy poco color, de tratar de decir muy poco con tonos tierra sombra.
Kariculture.net: ¿Cómo relacionaste estos cinco dibujos con todas las demás obras?
M.S. : Para continuar, siempre me quedé con dibujos sobre el tema de la infancia y realicé 14 dibujos sobre el amigo invisible. Es una presencia invisible que viene a tomar lugar en el juego del niño, que tendrá todas las cualidades que desea. Todos los niños son visitados por este amigo invisible que hace que su infancia sea hiper maravillosa. Por eso los niños inventan amigos, peluches, tienen padres sustitutos cuando éstos no están disponibles. Esto también desencadena la creatividad, luego crecemos, perdemos esta imaginación, nos volvemos serios. Integré estos pequeños personajes – el amigo invisible – en los dibujos. Los niños pueden dibujar estos pequeños seres automáticamente, pero es más difícil cuando uno es adulto porque uno ya no tiene la inocencia para hacerlo. Cuando veo la obra de Jérôme y los dibujos de estilo amerindio, me digo que hay cierta semejanza entre nosotros, aunque el tema de la exposición sea “Contrast” (…) Encontramos en este trabajo la infancia, la certeza cuando éramos niños de que nuestros padres nos amaban. Mantuve el mismo estilo gráfico y muy poco color.
Kariculture.net : Luego, dejas las obras en papel de pequeño y mediano formato para trabajar en grandes lienzos. ¿Por qué este cambio?
M. S. : Cuando terminé esos 14 dibujos, yo necesitaba espacio. Fui al lienzo pero con el mismo estilo gráfico, se puede ver el lápiz, el dibujo, el acrílico, los colores sobrios. Quería representar a la madre y las imágenes que cruzaron por mi mente. Aquí, es una escena de coqueteo callejero; todo ocurre en la calle. Los hombres, cuando coquetean en la calle, tienes que mirar, tienes que ir en su dirección, se les mira y es necesario que funcione; a las madres les gusta cuando su hijo coquetea porque está en potencia, pero desgraciadamente, las madres tienden demasiado a proyectar en su hijo lo que vivieron con un hombre. La emancipación de la mujer reposa sobre todo en las propias mujeres, las mujeres son víctimas de los hombres, pero a menudo reproducen lo que vivieron y estamos en un círculo vicioso. Esta joven se enfada cuando ama al joven que está coqueteando con ella (…) De hecho, quería mostrar la complejidad de los sentimientos amorosos : se puede amar pero nunca se es amado por la persona que quiere, la persona que se ama, no se puede llegar a ella, etc.
Kariculture.net: ¿Cuál es el vínculo entre estos niños, esta joven y esta abuela?
M. S. : Esta escena de coqueteo concentra todo : la niña, la mujer, la madre, la abuela. Es un viaje a través de la vida de la abuela. Superó todas las pasiones, sufrió cosas de la vida, adquirió una cierta independencia interior, por lo que es más libre para amar a sus hijos sin obstáculos. La abuela es el símbolo de la vida. Por eso usé estos colores sobrios, esta tierra sombra para pintar. Es como si volviera a mi pasado con rostros de mujeres indias que me rodeaban, mujeres que conozco (…).
Kariculture.net : ¿Por qué hay tantas mujeres entre las obras que propones en esta exposición?
M. S. : Es una coincidencia, ayer fue el “Día internacional de la eliminación de la violencia contra la mujer”. Porque soy una mujer, me interesan las mujeres, mi madre y yo como mujer. Hay mucho que decir sobre las mujeres. La emancipación depende mucho de la sociedad y hasta que la sociedad evolucione, hasta que la sociedad valore la importancia de las mujeres, estarán atrapadas.
Kariculture.net: Entre todas estas mujeres, ¿hay alguna que haya existido realmente?
M. S. : No. También en este caso, me inspiré en las imágenes, hice un montaje, no es una reproducción, no es interesante. Es como si siempre quisiera sacar imágenes de los cajones.
Kariculture.net : Según tú, la mujer “potomitan”, la que logra reconciliar todo, ya no existe?
M. S. : Hoy en día, las mujeres antillanas quieren superar todos estos estereotipos: mujeres agradables, “potomitan” etc.. Siempre se dijo que eran el “potomitan”, se sentían orgullosas de ello, ahora no quieren ser ese “potomitan” porque todo depende de ellas mientras que los hombres están jugueteando (…) El estado de la mujer está en plena transformación, tiene muchas responsabilidades, es mujer, esposa, madre, tiene que trabajar para integrarse en la vida social, para abrirse a muchas cosas y eso está bien pero, al mismo tiempo, ya no tiene mucho tiempo para los niños. Para mí, son los más afectados por esta emancipación de la mujer.
Kariculture.net : A diferencia de sus pinturas anteriores, estas son más bien “despojadas”, es la época que vivimos la que te inspira este “despojo”?
M. S. : Es cierto que antes solía llenar todos mis cuadros. Pasé de dibujar sobre papel a dibujar sobre lienzo, es importante decir eso, y no pintar sobre lienzo. Eso debía ser realmente como el espíritu del papel, lo blanco del lienzo es parte de la obra, sin tocarlo y dejando marcas de lápiz. Pero, también necesitaba aclarar mi mente (…).
Kariculture.net : Esta necesidad de aligerarse artísticamente se debió a qué? ¿Al confinamiento debido a la epidemia de Covid-19?
M. S. : También se debió a eso, pero esto forma parte de nuestro camino, avanzamos en el tiempo, nos hacemos preguntas. El confinamiento reforzó nuestra reflexión, nos preguntamos sobre lo esencial (…) Creo que esto se reflejará cada vez más en mi trabajo. Al principio, parecía que tenía tantas cosas que decir, que estaba amordazada, así que usaba todo el espacio del lienzo, no sé cómo hablar muy bien con las palabras.
Kariculture.net : ¿Significa que está más en paz en su producción? ¿Te expresas menos en el lienzo pero los mensajes son más fuertes?
M. S. : Más en paz conmigo misma, más sincera conmigo mismo. Ya no tengo que decir tantas cosas a través de la pintura. Puse las cosas en orden. Me centré más en mí misma para ir hacia los demás.
Kariculture.net : ¿Qué significan para ti lo blanco y lo negro?
M. S. : No voy a decir claroscuro, pero es el hecho de contrastar, hacer resaltar cosas, pero no necesariamente oponerlas.
Kariculture.net : Aquí es donde encontramos el tema de la exposición, “Contrast”?
M. S. : Sí, se podría decir así. Pero esto es realmente ir a lo esencial, decir las cosas rápidamente.
Kariculture.net : ¿Cómo viviste el confinamiento? ¿Qué hiciste durante todas esas semanas?
M. S. : De hecho, pensé que tenía que cuidarme a mí mismo, a mis seres queridos, era muy importante, vi este período así, sin pánico. Creo que era un camino que había empezado a tomar. También trabajé.
Kariculture.net: ¿Qué rastros dejará este período de Covid-19 en el arte, en los artistas?
M. S. : El arte contemporáneo adquirió mucha importancia, desde hace algunos años, muchas nociones cambiaron en comparación con la época clásica. En el arte contemporáneo, el artista se destaca tanto como su obra, la personalidad del artista es muy importante en su trabajo. ¿Es en este nivel que eso cambiará? ¿Nos centraremos más en la obra y menos en el artista? No lo sé. Me pregunto si no habrá un punto de inflexión en el arte contemporáneo y si no volveremos a algo parecido a cuando partimos del Renacimiento para volver a la Antigüedad. ¿Será el hombre el centro de todo? ¿Y el individualismo que va junto con el capitalismo? (…).
*Todas las obras de Micheline Souprayen se pueden ver en la galería CONCEPT’ART en la Vía Verde, Jarry, Baie-Mahaut. Franck Thévenaud: 0690 436446
